FRED ASTAIRE (1899-1987)

Fred Astaire (nacido como Frederick Austerlitz; (10 de mayo de 1899 - 22 de junio de 1987) fue un bailarín, actor, cantante, coreógrafo y presentador de televisión estadounidense. Es ampliamente considerado el mejor bailarín de la historia del cine. 

Su carrera teatral y posterior en cine y televisión abarcó un total de 76 años. Actuó en más de 10 musicales de Broadway y West End, realizó 31 películas musicales, cuatro especiales de televisión y numerosas grabaciones. Como bailarín, sus rasgos sobresalientes fueron un extraño sentido del ritmo, el perfeccionismo y la innovación. Su pareja de baile más memorable fue con Ginger Rogers, con quien coprotagonizó una serie de diez musicales de Hollywood durante la era del cine clásico de Hollywood, incluidos Top Hat (1935), Swing Time (1936) y Shall We Dance (1937).  Entre las otras películas notables en las que Astaire ganó mayor popularidad y llevó el género del claqué a un nuevo nivel se encuentran Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957) y Silk Stockings (1957). El American Film Institute nombró a Astaire como la quinta estrella masculina más grande del cine clásico de Hollywood en 100 Years... 100 Stars. 

Fred Astaire nació como Frederick Austerlitz el 10 de mayo de 1899 en Omaha, Nebraska, hijo de Johanna "Ann" (de soltera Geilus; 1878-1975) y Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz, en los EE. UU.: Frederic Austerlitz (1868-1923). La madre de Astaire nació en los EE. UU. hija de inmigrantes alemanes luteranos de Prusia Oriental y Alsacia. El padre de Astaire nació en Linz, Austria, de padres católicos romanos que se habían convertido del judaísmo. 

El padre de Astaire, Fritz Austerlitz, llegó a la ciudad de Nueva York a la edad de 25 años el 26 de octubre de 1893 a Ellis Island. Fritz estaba buscando trabajo en el comercio cervecero y se mudó a Omaha, Nebraska, donde fue empleado por Storz Brewing Company. La madre de Astaire soñaba con escapar de Omaha gracias al talento de sus hijos. La hermana mayor de Astaire, Adele, fue una bailarina y cantante instintiva desde su niñez. Johanna planeó un "acto de hermano y hermana", común en el vodevil en ese momento, para sus dos hijos. Aunque Fred rechazó las lecciones de baile al principio, imitó fácilmente los pasos de su hermana mayor y tomó piano, acordeón y clarinete.

Cuando su padre perdió su trabajo, la familia se mudó a la ciudad de Nueva York en enero de 1905 para iniciar las carreras de los niños en el mundo del espectáculo. Comenzaron a formarse en la Escuela Maestra de Teatro y Academia de Artes Culturales de Alvieni. La madre de Fred y Adele sugirió que cambiaran su nombre a "Astaire", ya que sentía que "Austerlitz" recordaba a la Batalla de Austerlitz . La leyenda familiar atribuye el nombre a un tío de apellido "L'Astaire". 

Se les enseñó a bailar, hablar y cantar como preparación para desarrollar un acto. Su primer acto se llamó Artistas juveniles que presentan una novedad musical eléctrica que baila con los dedos del pie. Fred usó un sombrero de copa y frac en la primera mitad y un traje de langosta en la segunda. En una entrevista, la hija de Astaire, Ava Astaire McKenzie, observó que a menudo le ponían a Fred un sombrero de copa para que pareciera más alto. En noviembre de 1905, el acto tonto debutó en Keyport, Nueva Jersey en un "teatro de prueba". El periódico local escribió: "Los Astaire son el acto infantil más importante del vodevil". 

Como resultado del arte de vender de su padre, Fred y Adele obtuvieron un importante contrato y tocaron en el circuito Orpheum en el medio oeste, el oeste y algunas ciudades del sur de los EE. UU. Pronto, Adele creció al menos tres pulgadas más que Fred, y la pareja comenzó a parecer incongruente. La familia decidió tomarse un descanso de dos años del mundo del espectáculo para dejar que el tiempo siguiera su curso y evitar problemas con la Gerry Society y las leyes de trabajo infantil de la época. En 1912, Fred se hizo episcopal . [17] La ​​carrera de los hermanos Astaire se reanudó con fortuna mixta, aunque con cada vez mayor habilidad y pulido, ya que comenzaron a incorporar el claqué en sus rutinas. El baile de Astaire se inspiró en Bill "Bojangles" Robinson y John "Burbujas" Sublett. Del bailarín de vodevil Aurelio Coccia, aprendieron el tango, el vals y otros bailes de salón popularizados por Vernon e Irene Castle. Algunas fuentes afirman que los hermanos Astaire aparecieron en una película de 1915 titulada Fanchon, the Cricket, protagonizada por Mary Pickford, pero los Astaire lo han negado constantemente. 

A los 14 años, Fred había asumido las responsabilidades musicales de su acto. Conoció por primera vez a George Gershwin, que trabajaba como distribuidor de canciones para la editorial musical de Jerome H. Remick, en 1916. Fred ya había estado buscando nuevas ideas para la música y la danza. Su encuentro casual afectaría profundamente las carreras de ambos artistas. Astaire siempre estaba al acecho de nuevos pasos en el circuito y empezaba a demostrar su incesante búsqueda de la novedad y la perfección.

Los Astaire irrumpieron en Broadway en 1917 con Over the Top, una revista patriótica, y también actuaron para las tropas estadounidenses y aliadas en ese momento. Siguieron con varios espectáculos más. Sobre su trabajo en The Passing Show de 1918, Heywood Broun escribió: "En una velada en la que abundaba el buen baile, Fred Astaire se destacó... Él y su pareja, Adele Astaire, hicieron que el espectáculo se detuviera temprano en el velada con un hermoso baile de extremidades sueltas". 

La chispa y el humor de Adele atrajeron gran parte de la atención, debido en parte a la cuidadosa preparación de Fred y la aguda coreografía de apoyo. Ella todavía marcaba el tono de su actuación. Pero en ese momento, la habilidad de baile de Astaire estaba comenzando a eclipsar a la de su hermana.

Durante la década de 1920, Fred y Adele aparecieron en Broadway y en los escenarios de Londres. Obtuvieron la aclamación popular entre la multitud de teatro en ambos lados del Atlántico en espectáculos como The Bunch and Judy (1922) de Jerome Kern, Lady, Be Good (1924) de George e Ira Gershwin y Funny Face (1927). y más tarde en The Band Wagon (1931). El claqué de Astaire fue reconocido por entonces como uno de los mejores. Por ejemplo, Robert Benchley escribió en 1930: "No creo que sumerja a la nación en una guerra afirmando que Fred es el mejor bailarín de claqué del mundo". Mientras estuvo en Londres, Fred estudió piano en la Guildhall School of Music junto a su amigo y colega Noël Coward, y en 1926, fue uno de los jueces en el ' Campeonato Mundial de Charleston (danza) ' en el Royal Albert Hall, donde Lew Grade fue declarado ganador.

Después del cierre de Funny Face, los Astaire fueron a Hollywood para una prueba de pantalla (ahora perdida) en Paramount Pictures, pero Paramount los consideró inadecuados para las películas.

Se separaron en 1932 cuando Adele se casó con su primer marido, Lord Charles Cavendish, el segundo hijo del noveno duque de Devonshire. Fred logró el éxito por su cuenta en Broadway y en Londres con Gay Divorce (más tarde convertida en la película The Gay Divorcee) mientras consideraba ofertas de Hollywood. El final de la asociación fue traumático para Astaire pero lo estimuló a expandir su rango.

Libre de las limitaciones hermano-hermana de la pareja anterior y trabajando con la nueva pareja Claire Luce, Fred creó un baile romántico en pareja al ritmo de "Night and Day" de Cole Porter, que había sido escrito para Gay Divorce. Luce dijo que tenía que alentarlo a adoptar un enfoque más romántico: "Vamos, Fred, no soy tu hermana, lo sabes". El éxito de la obra de teatro se atribuyó a este número, y cuando se recreó en The Gay Divorcee (1934), la versión cinematográfica de la obra, marcó el comienzo de una nueva era en la danza filmada. Recientemente, imágenes filmadas tomadas por Fred Stone de Astaire actuando en The Gay Divorcee con la sucesora de Luce, Dorothy Stone, en Nueva York en 1933 fue descubierto por la bailarina e historiadora Betsy Baytos y ahora representa la filmación más antigua conocida de Astaire. 

Según el folclore de Hollywood, se informa que un informe de prueba de pantalla sobre Astaire para RKO Radio Pictures, ahora perdido junto con la prueba, decía: "No puedo cantar. No puedo actuar. Me estoy quedando calvo. Puedo bailar un poco". El productor de las películas de Astaire-Rogers, Pandro S. Berman, afirmó que nunca había escuchado la historia en la década de 1930 y que solo surgió años después. Astaire aclaró más tarde, insistiendo en que el informe decía: "No puedo actuar. Ligeramente calvo. También bailo ". En cualquier caso, la prueba fue claramente decepcionante, y David O. Selznick, quien había contratado a Astaire para RKO y encargó la prueba, declaró en un memorándum: "No estoy seguro sobre el hombre, pero siento, a pesar de sus enormes orejas y su mala línea de la barbilla, que su encanto es tan tremendo que llega a través de él". incluso en esta miserable prueba". 

Sin embargo, esto no afectó los planes de RKO para Astaire. Lo prestaron por unos días a MGM en 1933 para su importante debut en Hollywood en la exitosa película musical Dancing Lady. En la película, apareció como él mismo bailando con Joan Crawford. A su regreso a RKO, obtuvo la quinta facturación después de Ginger Rogers, cuarto facturado en el vehículo de Dolores del Río de 1933 Flying Down to Rio. En una reseña, la revista Variety atribuyó su gran éxito a la presencia de Astaire:

El punto principal de Flying Down to Rio es la promesa de la pantalla de Fred Astaire... Seguramente es una apuesta después de esta, porque es claramente simpático en la pantalla, el micrófono es amable con su voz y como bailarín, permanece en un clase por sí mismo. La última observación no será nueva para la profesión, que ha admitido durante mucho tiempo que Astaire comienza a bailar donde los demás dejan de moverse. 

Después de haber estado vinculado a su hermana Adele en el escenario, Astaire inicialmente se mostró muy reacio a formar parte de otro equipo de baile. Le escribió a su agente: "No me importa hacer otra foto con ella, pero en cuanto a esta idea de 'equipo', ¡está descartada!' Me las arreglé para vivir una sociedad y no quiero que me molesten más". Sin embargo, fue persuadido por el aparente atractivo público de la pareja Astaire-Rogers. La asociación y la coreografía de Astaire y Hermes Pan ayudaron a hacer del baile un elemento importante de la película musical de Hollywood.

Astaire y Rogers hicieron nueve películas juntos en RKO. Estas incluyeron Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935, en la que Astaire también demuestra sus habilidades para el piano, que a menudo se pasan por alto, con un solo enérgico en "I Won't Dance"), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938) y La historia de Vernon e Irene Castle(1939). Seis de los nueve musicales de Astaire-Rogers se convirtieron en los mayores generadores de dinero para RKO; todas las películas trajeron cierto prestigio y arte que todos los estudios codiciaron en ese momento. Su asociación los elevó a ambos al estrellato; como dijo Katharine Hepburn, "Él le da clase y ella le da atractivo sexual". Astaire recibió un porcentaje de las ganancias de las películas, algo escaso en los contratos de los actores en ese momento.

Astaire revolucionó la danza en el cine al tener total autonomía sobre su presentación. Se le atribuyen dos importantes innovaciones en las primeras películas musicales. Primero, insistió en que una cámara rodante que seguía de cerca filmara una rutina de baile en la menor cantidad de tomas posible, generalmente con solo cuatro a ocho cortes, mientras mantenía a los bailarines a la vista en todo momento. Esto dio la ilusión de una cámara casi estacionaria filmando un baile completo en una sola toma. Astaire bromeó: "O la cámara baila, o yo lo hago". Astaire mantuvo esta política desde The Gay Divorcee en 1934 hasta su última película musical Finian's Rainbow en 1968, cuando el director Francis Ford Coppola lo anuló. 

El estilo de secuencias de baile de Astaire permitió al espectador seguir a los bailarines y la coreografía en su totalidad. Este estilo difería notablemente de los de los musicales de Busby Berkeley. Las secuencias de esos musicales estaban llenas de tomas aéreas extravagantes, docenas de cortes para tomas rápidas y zooms en áreas del cuerpo como una fila de brazos o piernas de un coro.

La segunda innovación de Astaire involucró el contexto de la danza; insistió en que todas las rutinas de canciones y bailes fueran parte integral de la trama de la película. En lugar de usar la danza como un espectáculo como lo hizo Busby Berkeley, Astaire la usó para hacer avanzar la trama. Por lo general, una imagen de Astaire incluiría al menos tres bailes estándar. Una sería una actuación en solitario de Astaire, a la que denominó su "solo de calcetín". Otro sería una rutina de baile de comedia en pareja. Finalmente, incluiría una rutina de baile romántico en pareja. 

Los comentaristas de baile Arlene Croce, Hannah Hyam y John Mueller consideran que Rogers fue la mejor pareja de baile de Astaire, una opinión compartida por Hermes Pan y Stanley Donen. La crítica de cine Pauline Kael adopta una postura más neutral, mientras que el crítico de cine de la revista Time Richard Schickel escribe: "La nostalgia que rodea a Rogers-Astaire tiende a blanquear a otros socios". 

Mueller resume las habilidades de Rogers de la siguiente manera:

Rogers sobresalió entre las parejas de Astaire no porque fuera superior a los demás como bailarina, sino porque, como actriz hábil e intuitiva, era lo suficientemente cautelosa como para darse cuenta de que la actuación no terminaba cuando comenzaba el baile... la razón por la que tantas mujeres fantasean con bailar con Fred Astaire es que Ginger Rogers transmitió la impresión de que bailar con él es la experiencia más emocionante que se pueda imaginar. 

Según Astaire, "Ginger nunca había bailado con una pareja antes de Flying Down to Rio. Lo fingió muchísimo. No podía hacer tapping y no podía hacer esto y aquello... pero Ginger tenía estilo y talento y mejoró a medida que avanzaba. Se puso de tal manera que después de un tiempo todas las demás que bailaban conmigo se veían mal ". En la pág. 162 de su libro Ginger: Salute to a Star, el autor Dick Richards cita a Astaire diciéndole a Raymond Rohauer, curador de la Galería de Arte Moderno de Nueva York: "Ginger fue brillantemente eficaz. Hizo que todo funcionara para ella. En realidad, hizo que las cosas fueran muy bien para los dos y ella merece la mayor parte del crédito por nuestro éxito".

En 1976, el presentador de un programa de entrevistas británico, Sir Michael Parkinson, le preguntó a Astaire quién era su pareja de baile favorita en Parkinson. Al principio, Astaire se negó a responder. Pero, en última instancia, dijo: "Disculpe, debo decir que Ginger fue sin duda, eh, eh, la única. Ya sabes, la pareja más efectiva que tuve. Todo el mundo lo sabe". 

Rogers describió los estándares intransigentes de Astaire que se extienden a toda la producción: "A veces piensa en una nueva línea de diálogo o un nuevo ángulo para la historia... nunca saben a qué hora de la noche llamará y comenzará a despotricar con entusiasmo sobre una idea nueva ... Sin holgazanear en el trabajo en una imagen de Astaire, y sin atajos".

A pesar de su éxito, Astaire no estaba dispuesto a vincular su carrera exclusivamente a ninguna asociación. Negoció con RKO para actuar por su cuenta con A Damsel in Distress en 1937 con una Joan Fontaine sin experiencia y que no bailaba, sin éxito. Volvió a realizar dos películas más con Rogers, Carefree (1938) y The Story of Vernon and Irene Castle (1939). Si bien ambas películas obtuvieron ingresos brutos respetables, ambas perdieron dinero debido al aumento de los costos de producción, y Astaire dejó RKO, luego de ser etiquetada como "veneno de taquilla" por Independent Theatre Owners of America. Astaire se reunió con Rogers en 1949 en MGM para su último trabajo, The Barkleys of Broadway, la única de sus películas juntos que se filmó en Technicolor.

Astaire dejó RKO en 1939 para trabajar de manera independiente y buscar nuevas oportunidades cinematográficas, con resultados mixtos aunque generalmente exitosos. A lo largo de este período, Astaire siguió valorando la aportación de los colaboradores coreográficos. A diferencia de la década de 1930, cuando trabajó casi exclusivamente con Hermes Pan, aprovechó el talento de otros coreógrafos para innovar continuamente. Su primera pareja de baile posterior a Ginger fue la temible Eleanor Powell, considerada la bailarina de claqué más excepcional de su generación. Protagonizaron Broadway Melody de 1940, en la que realizaron una célebre rutina de baile extendida al ritmo de "Begin the Beguine" de Cole Porter. En su autobiografía Pasos en el tiempo, Astaire comentó: "Ella 'los dejó' como un hombre, sin cosas de ricky-ticky-mariquita con Ellie. Realmente noqueó un baile de claqué en una sola clase". 

Actuó junto a Bing Crosby en Holiday Inn (1942) y luego en Blue Skies (1946). Pero, a pesar del enorme éxito financiero de ambos, según los informes, no estaba satisfecho con los papeles en los que perdia a la chica ante Crosby. La primera película es memorable por su virtuoso baile en solitario de "Let's Say it with Firecrackers". La última película presentó "Puttin 'On the Ritz", una innovadora rutina de canto y baile indeleblemente asociada con él. Otros socios durante este período incluyeron a Paulette Goddard en Second Chorus (1940), en la que dirigió la orquesta de Artie Shaw.

Hizo dos peliculas con Rita Hayworth. La primera película,  You'll Never Get Rich (1941), catapultó a Hayworth al estrellato. En la película, Astaire integró por tercera vez modismos de baile latinoamericanos en su estilo (el primero fue con Ginger Rogers en el número "The Carioca" de Flying Down to Rio (1933) y el segundo, nuevamente con Rogers, fue el "Dengozo "danza de La historia de Vernon e Irene Castle (1939)). Su segunda película con Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), fue igualmente exitosa. Presentó un dueto con "I'm Old Fashioned" de Kern, que se convirtió en la pieza central del New York City Ballet de Jerome Robbins en 1983. Homenaje a Astaire. Luego apareció junto a Joan Leslie, de diecisiete años, en el drama de guerra The Sky's the Limit (1943). En él, presentó " One for My Baby " de Arlen y Mercer mientras bailaba en la barra de un bar en una rutina oscura y problemática. Astaire coreografió esta película solo y logró un modesto éxito de taquilla. Representó una desviación notable para Astaire de su personalidad de pantalla encantadora y despreocupada habitual, y confundió a los críticos contemporáneos.

Su siguiente compañera, Lucille Bremer, se presentó en dos lujosos vehículos, ambos dirigidos por Vincente Minnelli. La fantasía Yolanda and the Thief  (1945) presentó un ballet surrealista de vanguardia. En la revista musical Ziegfeld Follies (1945), Astaire bailó con Gene Kelly la canción de Gershwin "The Babbit and the Bromide", una canción que Astaire había presentado con su hermana Adele en 1927. Mientras que Follies fue un éxito, Yolanda bombardeó en el taquilla.

Siempre inseguro y creyendo que su carrera comenzaba a tambalearse, Astaire sorprendió a su audiencia al anunciar su retiro durante la producción de su siguiente película Blue Skies (1946). Nominó "Puttin 'on the Ritz" como su baile de despedida. Después de anunciar su retiro en 1946, Astaire se concentró en sus intereses de carreras de caballos y en 1947 fundó Fred Astaire Dance Studios, que posteriormente vendió en 1966.

La jubilación de Astaire no duró mucho. Astaire regresó a la pantalla grande para reemplazar a Gene Kelly lesionado en Easter Parade (1948) junto a Judy Garland, Ann Miller y Peter Lawford. Siguió con una reunión final con Rogers (reemplazando a Judy Garland) en The Barkleys of Broadway (1949). Ambas películas revivieron la popularidad de Astaire y en 1950 protagonizó dos musicales. Three Little Words con Vera-Ellen y Red Skelton fue para MGM. Let's Dance with Betty Hutton fue cedida a Paramount. Mientras que a Three Little Words le fue bastante bien en la taquilla, Let's Dance fue una decepción financiera. Royal Wedding (1951) con Jane Powell y Peter Lawford resultó ser un gran éxito, pero The Belle of New York (1952) con Vera-Ellen fue un desastre de crítica y taquilla. The Band Wagon (1953) recibió excelentes críticas de los críticos y atrajo a grandes multitudes. Sin embargo, debido a su alto costo, no logró obtener ganancias en su primer lanzamiento.

Poco después, Astaire, al igual que las otras estrellas que quedaban en MGM, fue despedido de su contrato debido a la llegada de la televisión y la reducción de la producción cinematográfica. En 1954, Astaire estaba a punto de comenzar a trabajar en un nuevo musical, Daddy Long Legs (1955) con Leslie Caron en 20th Century Fox. Luego, su esposa Phyllis enfermó y murió repentinamente de cáncer de pulmón. Astaire estaba tan afligido que quiso cerrar la película y se ofreció a pagar los costos de producción de su bolsillo. Sin embargo, Johnny Mercer, el compositor de la película, y los ejecutivos del estudio Fox lo convencieron de que el trabajo sería lo mejor para él. A Daddy Long Legs le fue moderadamente bien en la taquilla. Su próxima película para Paramount, Funny Face (1957), lo asoció con Audrey Hepburn y Kay Thompson. A pesar de la suntuosidad de la producción y las buenas críticas de la crítica, no logró recuperar su costo. De manera similar, el siguiente proyecto de Astaire, su último musical en MGM, Silk Stockings (1957), en el que coprotagonizó con Cyd Charisse, también perdió dinero en la taquilla.

Posteriormente, Astaire anunció que se retiraba de bailar en películas. Su legado en este punto fue de 30 películas musicales en 25 años.

Astaire no se retiró del baile por completo. Hizo una serie de cuatro especiales musicales para televisión ganadores de premios Emmy de gran audiencia en 1958, 1959, 1960 y 1968. Cada uno presentaba a Barrie Chase, con quien Astaire disfrutó de un período renovado de creatividad en la danza. El primero de estos programas, An Evening with Fred Astaire de 1958, ganó nueve premios Emmy, incluidos "Mejor actuación individual de un actor" y "Programa individual más destacado del año". También se destacó por ser la primera transmisión importante pregrabada en una cinta de video en color. Astaire ganó el Emmy a la mejor interpretación individual de un actor. La elección tuvo una reacción controvertida porque muchos creían que su baile en el especial no era el tipo de "actuación" para el que se diseñó el premio. En un momento, Astaire se ofreció a devolver el premio, pero la Academia de Televisión se negó a considerarlo. Una restauración del programa ganó un Emmy técnico en 1988 para Ed Reitan, Don Kent y Dan Einstein. Restauraron la cinta de video original, transfirieron su contenido a un formato moderno y llenaron los espacios donde la cinta se había deteriorado con material de cinescopio.

Astaire interpretó a Julian Osborne, un personaje que no baila, en el drama de guerra nuclear On the Beach (1959). Fue nominado a un Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su actuación, perdiendo ante Stephen Boyd en Ben-Hur. Astaire apareció en papeles que no eran de baile en otras tres películas y varias series de televisión de 1957 a 1969.

La última gran película musical de Astaire fue Finian's Rainbow (1968), dirigida por Francis Ford Coppola. Astaire se quitó la corbata blanca y el frac para interpretar a un granuja irlandés que cree que si entierra una vasija de oro en las sombras de Fort Knox, el oro se multiplicará. La pareja de baile de Astaire fue Petula Clark, quien interpretó a la escéptica hija de su personaje. Se describió a sí mismo como nervioso por cantar con ella, mientras que ella dijo que estaba preocupada por bailar con él. La película fue un éxito modesto tanto en la taquilla como entre la crítica.

Astaire siguió actuando en la década de 1970. Apareció en televisión como el padre del personaje de Robert Wagner, Alexander Mundy, en It Takes a Thief. En la película The Towering Inferno (1974), bailó con Jennifer Jones y recibió su única nominación al Premio de la Academia, en la categoría de Mejor Actor de Reparto. Prestó su voz al narrador cartero SD Kluger en los especiales de televisión animados Rankin/Bass de la década de 1970 Santa Claus Is Comin 'to Town y The Easter Bunny Is Comin' to Town. Astaire también apareció en los dos primeros That's Entertainment!documentales, a mediados de la década de 1970. En la segunda compilación, a los setenta y seis años, realizó breves secuencias de enlace de baile con Kelly, sus últimas actuaciones de baile en una película musical. En el verano de 1975, hizo tres álbumes en Londres, Attitude Dancing, They Can't Take These Away from Me, y A Couple of Song and Dance Men, el último un álbum de duetos con Bing Crosby. En 1976, Astaire interpretó un papel secundario, como dueño de un perro, en la película de culto The Amazing Dobermans, coprotagonizada por Barbara Eden y James Franciscus, e interpretó al Dr. Seamus Scully en la película francesa The Purple Taxi (1977).

En 1978, coprotagonizó con Helen Hayes una película para televisión muy bien recibida A Family Upside Down en la que interpretaron a una pareja de ancianos que se enfrenta a problemas de salud. Astaire ganó un premio Emmy por su actuación. Hizo una aparición especial muy publicitada en la serie de televisión de ciencia ficción Battlestar Galactica en 1979, como Chameleon, el posible padre de Starbuck, en "El hombre de las nueve vidas", un papel escrito para él por Donald P. Bellisario. Astaire le pidió a su agente que le consiguiera un papel en Galactica debido al interés de sus nietos en la serie y los productores estaban encantados con la oportunidad de crear un episodio completo para presentarlo. Este episodio marcó la última vez que bailó en pantalla, en este caso con Anne Jeffreys. Actuó en nueve papeles diferentes en The Man in the Santa Claus Suit en 1979. Su última película fue la adaptación de 1981 de la novela Ghost Story de Peter Straub. Esta película de terror también fue la última para dos de sus compañeros de reparto más destacados, Melvyn Douglas y Douglas Fairbanks Jr.

Astaire era una bailarín virtuoso, capaz, cuando se le pedía, de transmitir una audacia alegre o una emoción profunda. Su control técnico y su sentido del ritmo eran asombrosos. Mucho después de que se completara la fotografía del número de baile en solitario "I Want to Be a Dancin' Man" para el largometraje de 1952 The Belle of New York, se decidió que el humilde vestuario de Astaire y el raído escenario eran inadecuados y toda la secuencia fue volver a disparar El documental de 1994 ¡Eso es entretenimiento! III muestra las dos actuaciones una al lado de la otra en pantalla dividida. Cuadro por cuadro, las dos representaciones son idénticas, hasta en el más sutil gesto.

La ejecución de Astaire de una rutina de baile fue apreciada por su elegancia, gracia, originalidad y precisión. Se basó en una variedad de influencias, incluido el tap y otros ritmos negros, la danza clásica y el estilo elevado de Vernon e Irene Castle. El suyo era un estilo de baile reconocible de manera única que influyó en gran medida en el estilo American Smooth de baile de salón y estableció estándares contra los cuales se juzgarían las películas musicales de baile posteriores. Llamó a su enfoque ecléctico "estilo fuera de la ley", una mezcla impredecible e instintiva de arte personal. Sus bailes son económicos pero infinitamente matizados. Como Jerome Robbins declaró: "El baile de Astaire parece tan simple, tan cautivador, tan fácil, pero la estructura inferior, la forma en que coloca los pasos, sobre o contra la música, es tan sorprendente e inventiva". Astaire observó además:

Elaborar los pasos es un proceso muy complicado, algo así como escribir música. Tienes que pensar en algún paso que fluya hacia el siguiente, y todo el baile debe tener un patrón integrado. Si el baile es correcto, no debe haber un solo movimiento superfluo. ¡Debe llegar a un clímax y detenerse! 

Aunque Astaire fue el coreógrafo principal de todas sus rutinas de baile, agradeció la contribución de los colaboradores y, en particular, de su principal colaborador, Hermes Pan. Pero el historiador de la danza John Mueller cree que Astaire actuó como coreógrafo principal en sus solos y bailes en pareja a lo largo de su carrera. Señala que el estilo de baile de Astaire fue consistente en películas posteriores realizadas con o sin la ayuda de Pan. Además, Astaire coreografió todas las rutinas durante su carrera en Broadway con su hermana Adele. Más adelante en su carrera, se volvió un poco más dispuesto a aceptar la dirección de sus colaboradores. Sin embargo, esto casi siempre se limitó al área de secuencias de fantasía extendidas o "ballets de ensueño".

Ocasionalmente, Astaire asumió el crédito de la pantalla conjunta por la coreografía o la dirección de baile, pero generalmente dejaba el crédito de la pantalla a su colaborador. Esto puede llevar a la impresión completamente engañosa de que Astaire simplemente realizó la coreografía de los demás. Más adelante en la vida, admitió, "tuve que hacer la mayor parte por mí mismo".

Con frecuencia, una secuencia de baile se construía en torno a dos o tres ideas clave, a veces inspiradas en sus pasos o en la música misma, que sugerían un estado de ánimo o una acción en particular.  Caron dijo que mientras Kelly bailaba cerca del suelo, se sentía como si estuviera flotando con Astaire.  Muchas rutinas de baile se construyeron en torno a un "truco", como bailar en las paredes en Royal Wedding o bailar con sus sombras en Swing Time. Él o su colaborador pensarían antes en estas rutinas y las guardarían para la situación adecuada. Pasarían semanas creando todas las secuencias de baile en un espacio de ensayo aislado antes de que comenzara la filmación. Trabajarían con un pianista de ensayo (a menudo el compositor Hal Borne) quien a su vez comunicaría las modificaciones a los orquestadores musicales.

Su perfeccionismo era legendario, pero su incesante insistencia en los ensayos y repeticiones fue una carga para algunos. Cuando se acercaba el momento de filmar un número, Astaire ensayaba durante otras dos semanas y grababa el canto y la música. Una vez completada toda la preparación, el rodaje real sería rápido, conservando los costos. Astaire agonizó durante el proceso, pidiendo con frecuencia a sus colegas que aceptaran su trabajo. Como dijo Vincente Minnelli, "Le falta confianza en el grado más enorme de todas las personas del mundo. Ni siquiera irá a ver sus carreras ... Siempre piensa que no sirve". Como el mismo Astaire observó, "Nunca he acertado al 100% en nada. Aún así, nunca es tan malo como creo que es".

Michael Kidd, co-coreógrafo de Astaire en la película de 1953 The Band Wagon, descubrió que Astaire no compartía su propia preocupación sobre la motivación emocional detrás del baile. Kidd relató más tarde: "La técnica era importante para él. Decía: "Hagamos los pasos. Agreguemos las apariencias más tarde" .

Aunque se veía a sí mismo principalmente como un animador, su arte le ganó la admiración de bailarines del siglo XX como Gene Kelly, George Balanchine, los hermanos Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nureyev, Michael Jackson, y Bill Robinson. Balanchine lo comparó con Bach, describiéndolo como "el bailarín más interesante, el más inventivo, el más elegante de nuestro tiempo", mientras que para Baryshnikov fue "un genio... un bailarín clásico como nunca vi en mi vida".." Y concluyó: "Ningún bailarín puede ver a Fred Astaire y no saber que todos deberíamos haber estado en otro negocio".

Extremadamente modesto acerca de sus habilidades para el canto (con frecuencia afirmaba que no podía cantar, pero los críticos lo calificaron como uno de los mejores), Astaire presentó algunas de las canciones más célebres del Great American Songbook, en particular, de Cole Porter: Night and Day" in Gay Divorce (1932); "So Near and Yet So Far" en You'll Never Get Rich (1941); Irving Berlin's "Isn't This a Lovely Day?", "Cheek to Cheek", y "Top Hat, White Tie and Tails" en Top Hat (1935); "Let's Face the Music and Dance" en Follow the Fleet (1936); y "Change Partners" en Carefree (1938). El presento por primera vez la cancion de Jerome Kern's "The Way You Look Tonight" en Swing Time (1936), de Gershwins' "They Can't Take That Away from Me" en Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" y "Nice Work if You Can Get it" en A Damsel in Distress (1937), de Johnny Mercer's "One for My Baby" from The Sky's the Limit (1943), "Something's Gotta Give" de Daddy Long Legs (1955); y de  Harry Warren y Arthur Freed's "This Heart of Mine" de Ziegfeld Follies (1946).

Astaire también co-presentó una serie de canciones clásicas a través de duetos de canciones con sus socios. Por ejemplo, con su hermana Adele, co-presentó "I'll Build a Stairway to Paradise" de los Gershwin de Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" en Lady, Be Good (1924), "Funny Face" en Funny Face (1927) y, a dúo con Ginger Rogers, presentó "I'm Putting All My Eggs in One Basket" de Irving Berlin en Follow the Fleet (1936), "Pick Yourself Up" de Jerome Kern y en Swing Time (1936), junto con " Let's Call the Whole Thing Off " de los Gershwin de Shall We Dance (1937). Con Judy Garland, cantó "A Couple of Swells" de Irving Berlin de Easter Parade (1948) y, con Jack Buchanan, Oscar Levant y Nanette Fabray, entregó "That's Entertainment! de Arthur Schwartz y Howard Dietz" de El carro de la banda (1953).

Aunque poseía una voz ligera, era admirado por su lirismo, dicción y fraseo —la gracia y la elegancia tan apreciadas en su baile parecían reflejarse en su canto, una capacidad de síntesis que llevó a Burton Lane a describirlo como "el mejor intérprete musical del mundo". Irving Berlin consideraba a Astaire igual a cualquier intérprete masculino de sus canciones: "tan bueno como Jolson, Crosby o Sinatra, no necesariamente por su voz, sino por su concepción de proyectar una canción". Jerome Kern lo consideraba el intérprete masculino supremo de sus canciones y Cole Porter y Johnny Mercer también admiraron su tratamiento único de su trabajo. Y aunque George Gershwin fue algo crítico con las habilidades de canto de Astaire, escribió muchas de sus canciones más memorables para él.  En su apogeo, se hizo referencia a Astaire en las letras de las canciones de los compositores Cole Porter, Lorenz Hart y Eric Maschwitz y continúa inspirando a los compositores modernos. 

Astaire era un compositor, con "I'm Building Up to an Awful Letdown" (escrito con el letrista Johnny Mercer) alcanzando el número cuatro en el Hit Parade de 1936. Grabó su propio "It's Just Like Taking Candy from a Baby" con Benny Goodman en 1940 y alimentó una ambición de por vida de ser un exitoso compositor de canciones populares.

En 1952, Astaire grabó The Astaire Story, un álbum de cuatro volúmenes con un quinteto dirigido por Oscar Peterson. El álbum, producido por Norman Granz, proporcionó una descripción musical de la carrera de Astaire. The Astaire Story luego ganó el premio Grammy Hall of Fame Award en 1999, un premio especial de Grammy para honrar grabaciones que tienen al menos veinticinco años y que tienen "significado cualitativo o histórico".

Siempre impecablemente vestidos, él y Cary Grant fueron llamados "los actores mejor vestidos de las películas estadounidenses". Astaire siguió siendo un ícono de la moda masculina incluso en sus últimos años, evitando su característico sombrero de copa, corbata blanca y frac, que odiaba. En cambio, prefirió un estilo informal y desenfadado de chaquetas deportivas a medida, camisas de colores y pantalones, estos últimos generalmente sostenidos por el uso distintivo de una corbata vieja o un pañuelo de seda en lugar de un cinturón.

Astaire se casó con Phyllis Potter de 25 años en 1933 (anteriormente Phyllis Livingston Baker (1908-1954), una miembro de la alta sociedad de Nueva York nacida en Boston y ex esposa de Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), a pesar de las objeciones de su madre y hermana. La muerte de Phyllis por cáncer de pulmón, a la edad de 46 años, puso fin a veintiún años de feliz matrimonio y dejó a Astaire devastado. Astaire intentó abandonar la película Daddy Long Legs (1955), que estaba filmando, ofreciendo pagar los costos de producción hasta la fecha, pero fue persuadido para quedarse. 

Además del hijo de Phyllis Potter, Eliphalet IV (conocido como Peter), los Astaire tuvieron dos hijos. El hijo de los Astaire, Fred Jr. (nacido en 1936), apareció con su padre en la película Midas Run y ​​luego se convirtió en piloto de vuelos chárter y ganadero. La hija de los Astaire, Ava Astaire (nacida en 1942), sigue involucrada en la promoción del legado de su padre.

Intensamente privado, Fred Astaire rara vez fue visto en la escena social de Hollywood. En cambio, dedicó su tiempo libre a su familia y sus pasatiempos, que incluían las carreras de caballos, tocar la batería, escribir canciones y jugar al golf. Era buen amigo de David Niven, Randolph Scott, Clark Gable y Gregory Peck. Niven lo describió como "un duendecillo, tímido, siempre afectuoso, con una inclinación por las bromas escolares". En 1946, su caballo Triplicate ganó la Copa de Oro de Hollywood y el Handicap de San Juan Capistrano. Se mantuvo físicamente activo hasta bien entrados los ochenta. Empezó a andar en patinetaa finales de los setenta y se le otorgó una membresía vitalicia en la National Skateboard Society. A los setenta y ocho, se rompió la muñeca izquierda mientras andaba en patineta en la entrada de su casa. También tenía interés en el boxeo y el crimen real.

El 24 de junio de 1980, a la edad de 81 años, se casó por segunda vez. Robyn Smith era 45 años menor que él y una jinete que montaba para Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. (también salió con Vanderbilt en la década de 1970), y apareció en la portada de Sports Illustrated el 31 de julio de 1972. 

La vida de Astaire nunca ha sido retratada en una película. Siempre negó el permiso para tales representaciones, diciendo: "Por mucho que me ofrezcan, y las ofertas llegan todo el tiempo, no venderé". El testamento de Astaire incluía una cláusula que pedía que nunca se llevara a cabo tal representación; comentó: "Está ahí porque no tengo ningún deseo particular de que mi vida sea malinterpretada, lo cual sería". El 5 de diciembre de 2021, Tom Holland anunció que interpretaría a Astaire en una próxima película biográfica, lo que atrajo críticas debido a la cláusula.

Astaire murió de neumonía el 22 de junio de 1987, a la edad de 88 años. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio Oakwood Memorial Park en Chatsworth, California. Una de sus últimas peticiones fue agradecer a sus fans por sus años de apoyo.